SEPTIEMBRE 2025

1. Atalhos (dream pop-shoegaze) – Llegué a esta banda por la canción Te encontrei em SP que hacen junto a Delfina Campos, artista argentina que ya he mencionado varias veces aquí. Atalhos (atajos, en español) editó 5 álbumes de estudio y el último, A Força das Coisas (2025), lo presentaron hace muy poquito en Buenos Aires, en una fecha compartida con Atrás Hay Truenos. El vínculo que tienen con Argentina es fuerte, produjeron y grabaron acá, tocaron en varias oportunidades y también hicieron una colaboración con El Príncipe Idiota, además, el cantante vivió 3 años en nuestro país. Escuché incansablemente sus dos últimos álbumes. Tienen melodías pegadizas y nostálgicas, buenos riffs, la cadencia de la voz del cantante es suave y tiene una reverberación que pareciera que estás escuchándolo en una iglesia. Este último disco que lanzaron me gustó particularmente por los grandes momentos sonoros envolventes que tiene y que se dan por los sintetizadores y guitarras distorsionadas. Pero, nobleza obliga, debo decir que me pareció MUY MUY similar a una de mis bandas favoritas: War On Drugs (merecen absolutamente un capítulo aparte). Creo que un poquito menos hubiese sido más original. Pero igualmente es una banda que en vivo suena muy bien, tiene buenas canciones y además, son latinoamericanos, así que bancamos.

2. Turnover (dream pop-shoegaze) – Esta banda que AMO me la hizo escuchar mi gran amigo Seba Di Siervo, músico, productor y una de las personas más autogestivas que conozco. Fue en el año 2015, año del lanzamiento del -lo sabríamos todos un tiempo después- disco que marcó un antes y un después en la historia de esta banda oriunda de Estados Unidos: Peripheral Vision. Este fue su segundo álbum de estudio (tienen 5 en total y 2 versiones deluxe) y el que inició un nuevo sonido para ellos, sus fans (me incluyo) se volvieron locos. Tanto así, que este año ese disco cumple 10 años, y están haciendo una gira para tocarlo completo. Dos años después editaron otro muy bueno también: Good Nature. La diferencia entre estos y el primer LP es que aquel era más emo-punk y acá se fueron más hacia un sonido dream pop / shoegaze, reverb y atmósferas ambientales, motivo por el cual ellos se me vinieron a la mente mientras escuchaba Atalhos. No puedo recomendar canciones de Turnover, les recomiendo completos los dos discos que les mencioné. Es el equilibrio justo entre nostalgia y una pisca de optimismo, no sé de qué otra manera describirlo (lxs melancólicxs me entenderán). Discos ideales para ir en ruta.

3. Pinegrove (alt country-indie folk) – Ellos también son de Estados Unidos y también me los hizo escuchar Seba en la misma época que me pasó Turnover. Si bien las voces acá se escuchan más limpias, y el ritmo vertiginoso que marcaban las otras dos bandas no está (porque acá el tempo es más lento, más tranquilo), hay algo que creo que los conecta: la melancolía en su sonido. Con 7 álbumes editados (el último es del 2023), el disco con el que empezaron a ser conocidos masivamente fue (casi como le pasó a Turnover) Cardinal, del 2016. En su momento estaba obsesionada con estas dos canciones: Old Friends y Aphasia. La voz de Evan Stephens Hall parece que sonara desde una radio analógica. Es un disco para escuchar si no te resulta fácil llorar aun con el corazón roto, funciona como catalizador. En 2022 editaron 11:11, un álbum con el mismo sonido que Cardinal; podríamos tomarlo como una continuación en verdad. No sorprende pero no defrauda tampoco. Luego de la salida de uno de sus integrantes y de una crisis que tuvo la banda por la acusación contra el cantante por acoso sexual, Pinegrove no toca más por el momento. Esto no sorprende pero sí defrauda.

AGOSTO 2025

1. Gigi Pérez (folk – pop alternativo) – En febrero de este año YouTube me mostró la presentación que dio en vivo Gigi Pérez tocando su canción Sailor Song, en The Tonight Show, de Jimmy Fallon. Ella con su guitarra, la melodía de la canción, su voz potente y la letra, hicieron que me quedara prestando atención. Pero lo que me emocionó fue el parecido que encontré con uno de mis artistas favoritos, Jeff Buckley. Ya hay algo en la manera de tocar de ella que suena a Jeff, pero más hacia al final de la canción, Gigi hace unos coros que son muy similares a los que cantaba Jeff y que eran muy característicos en él.
Después de esa presentación me puse a leer sobre Gigi Pérez y a escuchar su música. Editó un solo álbum de estudio, tiene 25 años pero compone desde los 18 y algunos de los sencillos que fue publicando se hicieron muy conocidos y la gente medio que enloqueció con sus melodías. Fable y Sometimes son algunos de estos temas que gustaron mucho y sí, la verdad es que si te gusta el folk, el indie folk y sos un poco melancólicx y románticx, Gigi es para vos. Comparto un link de Sometimes en vivo en el que creo que la refe a Jeff Buckley es más certera aun. 

2. Jeff Buckley (rock – folk) me gusta muchísimo no solo por su sensibilidad, sino además por su enorme talento vocal y compositivo. Jeff (hijo del también músico, Tim Buckley) tenía un registro agudo y vibrato increíbles; su entrega era total, en especial en sus presentaciones en vivo. Editó un solo disco (perfecto, angelical y profundo) que se llamó Grace y que hoy es un ícono de la música de la década del ‘90. Jeff murió muy joven, en 1997, cuando estaba grabando su segundo álbum, My Sweetheart the Drunk, que se publicó después de su muerte. En YouTube hay algunos recitales en vivo que, si la grabación lo permite, son muy emotivos de ver. Grace es un discazo realmente. Y por suerte hicieron un documental sobre su vida que se llama It’s Never Over, Jeff Buckley (asumo que en un juego de palabras por el cover que hace él de The Smiths: I know it´s over) que se estrenará en los próximos días, aunque en Argentina creo que se podrá ver más adelante en HBO #Dato.

3. ANOHNI & The Johnsons (art pop – chamber pop – soul) antes conocida como Antony, también es una de mis músicas favoritas y la traigo a este Top por su sensibilidad y su voz inconfundible: profunda, vibrante y dolorosa como la de Jeff Buckley. Yo la conocí por su icónica canción Hope There’s Someone, del disco I am a bird now, del 2005. La melodía, la manera de cantar tan sentida y la letra, lo convierten en un tema muy especial. Comparto acá abajo un video (de mala calidad, advierto) de esa canción en vivo con subtítulos. En la época en la que la escuché por primera vez, yo sufría de terrores nocturnos, parálisis y todo lo más feo y angustiante que se puedan imaginar, y esta letra, saber que había alguien más pasando malos momentod, me sirvió para no sentirme tan sola. Es bastante desgarrador, pero vale la pena. En el disco que contiene esta canción, I am a bird now, está Fistful Of Love, que podría ser interpretado por Jeff Buckley tranquilamente. Anohni editó 5 álbumes cuando era Antony y desde que transicionó en 2016, publicó 2 discos. Mucha teatralidad, arreglos orquestales y una sensibilidad que la posicionaron en la escena queer experimental y que le valió elogios de Björk y Leonard Cohen. Hace muy poco hizo un Tiny Desk que les comparto en este link.

JULIO 2025

1.Willow (R&B alternativo-neo soul) – Escuché Wait a minute! en la autopista La Plata-Buenos Aires, en el auto del novio de mi amiga Giuli, cuando volvíamos los tres de un recital. Estábamos eligiendo un tema cada uno y de repente, pum! ese comienzo, ese beat y esa voz que, inmediatamente, me llevó a Remi Wolf (de quienes les hablaré en breve). A Willow apenas la conocía por su canción Female Energy Part 2 de un disco que publicó en 2019 y por ser la hija de Will Smith. Y lo cierto es que me sorprendió y me llamó la atención (tampoco me volvió loca), así que, al otro día de escucharla en la autopista, le di play en todas las plataformas que pude. Tiene una voz potente y si bien en sus comienzos hacía canciones más poperas, en el último tiempo fue encontrando un estilo más maduro y personal. Esto pueden verlo en una presentación en vivo que hizo hace algunos meses y que me gusta mucho, en especial porque la acompaña una banda de chicas que suena muy bien y hay un piano con arreglos de jazz que le da otro nivel a todo. Se las comparto en este link!

2.Remi Wolf (funk-soul-pop) – ¿Todo fue una excusa para hablar de Remi? Sí. Remi llegó a mí de casualidad. En Pandemia conocí un ciclo en YouTube que se llama Like a version, en donde van bandas a hacer una reversión de alguna canción conocida y luego tocan temas propios. Me hice fan, realmente, y descubrí bandas muy buenas, pero no me quiero detener en eso ahora. A Remi Wolf la conocí primero por reversionar Valerie, la bellísima canción de Amy Winehouse (se las comparto aquí). Quedé impactada con su voz. Willow y Remi son de Estados Unidos, las dos nacieron a finales de los ‘90 y comparten ese instrumento celestial: la voz. Ambas llegan a unas notas altísimas, tienen mucha fuerza y comparten un timbre similar, casi casi roto cuando llegan al límite. Remi editó 4 álbumes. Mac Demarco participó del video del corte del último disco: Big Ideas (2024). De este álbum les recomiendo la canción Toro y del ciclo que les mencioné más arriba, les dejo uno de mis favoritos: Michael.

3.Lola Young (R&B-neo soul-indie) – Y si hablamos de mujeres maravillosas, potentes y gritonas, la tercera que aparece en este Top es la inglesa Lola Young. Ella también es contemporánea de Willow y Remi, nació en el 2001 y su carrera comenzó hace apenas unos 6 años. Yo la conocí gracias a YouTube, que me compartió Wish You Were Dead y quedé fanatizada con esa canción que forma parte de su último álbum This Wasen´t Meant For You Anyway. Un discazo. Tiene canciones increíbles que la convierten en la reina de este Top, como Messy, que se las dejo aquí abajo. Este tema tiene (lit) millones de reproducciones en YouTube y lo tocó en vivo en diferentes formatos y en muchos programas de radio y TV, desde que salió a la luz. Es bellísimo. Si hablamos de actitud, creo que Lola y Remi tienen más en común; ambas hablan de su salud mental y son un poco más desprolijas y -me disculpan este término de señora- más desfachatadas en su estilo. Perlita: Lola participó en la canción Like Him, del último disco que editó Tyler, The Creator. 

MAYO 2025

1. Blair (indie-pop) – A ella, Julieta, la conocí hace un par de semanas gracias a mi queridísimo algoritmo de YouTube, que me mostró su último álbum Bar Scorpios (2025). Desde entonces lo escucho en loop. Su imagen en la tapa del disco y en el video, que es como un cortometraje, es sacra y oscura. Su personaje se transforma conforme van pasando las canciones. Y sus canciones también se transforman. Porque, aunque su voz es dulce (y cuando suena, no te la esperás), las letras hablan del deseo de matar y de crisis de fe, además de que los últimos temas tienen un sonido más distorsionado y abrumador. Esta dualidad, tipo yin-yang, de la imagen y el sonido es lo que más me llamó la atención. En el álbum colaboran Mariana Enriquez, Dillom y Santiago Motorizado. Recién me puse a escuchar Llorando en la fiesta, disco del 2022, con el cual se hizo conocida. Veremos qué me parece 🙂 ¡Al final de este top les dejo el video del álbum Bar Scorpios!
   
2. Mazzy Star (dream pop) – Apenas escuché los primeros acordes de Hombre Roto, la canción de Blair con Santi Motorizado, recordé la famosa balada de Mazzy Star, Fade into you, del álbum So Tonight That I Might See (1993), su segundo disco. Esta canción fue un poco el himno de la cultura alternativa de los años ‘90. Rasgueos de guitarras minimalistas y melodías melancólicas. Mazzy Star fue contemporánea de Fiona Apple, de Beth Gibbons (Portishead), PJ Harvey y de Cat Power, entre otras. Todas, incluyendo a Blair, comparten un sonido suave, íntimo y nostálgico en general. En 2010, Mazzy colaboró con Massive Attack, acá les dejo el tema. Recuerden que el mes pasado hablé de ellos en esta sección, si scrollean para abajo ¡lo verán!
   
3. Fiona Apple (rock alternativo) – Aprovecho a traer a Fiona acá porque ahora, el 7 de mayo, después de 5 años, publicó una nueva canción: Pretrial (Let Her Go Home). Y a ella la amamos por sus clásicos Criminal, el cover de los Beatles, Across the universe y I know, una canción que me gusta particularmente por la sensualidad de su voz y el piano. Fiona también me gusta porque es genuina, tiene una voz dulce y pesada y crea mundos oscuros, un poco como Blair también. Hay otra cosa más que las conecta. Respecto de Bar Scorpios, Blair dijo: “Quiero pensar en el disco como un refugio para mis seguidoras. Un espacio seguro, narrativo y musical, donde el dolor no se niega, sino que se abraza y se convierte en historia”. Y, casualmente, la canción que publicó Fiona hace pocos días, estuvo inspirada en su experiencia como voluntaria en la organización Free Black Mamas DMV con mujeres vulnerables. Mujeres siendo red de mujeres, algo bello y necesario. 

ABRIL 2025

1. Massive Attack (trip-hop) – En la década del ‘80, en Bristol, Gran Bretaña, existió un grupo de DJ´s, músicos y productores que mezclaban hip-hop, reggae, electrónica, jazz y soul. Un híbrido que de a poco creó un nuevo género: Trip-hop (electrónica + downtempo), es decir, un sonido más ambient, más chill. De esa escena salen Robert Del Naja y Grant Marshall que, junto a otros miembros (actualmente solo ellos dos), forman Massive Attack. Tienen 8 álbumes, el último es del 2019. Y los traigo hoy porque hace un tiempo me compartieron Protection, la primera canción de su segundo disco (que lleva el mismo nombre), editado en 1994. Me animo a decir que Del Naja y Marshall son también un poco los padres de los feats, que ahora están tan de moda, porque casi todos sus álbumes tienen colaboraciones (muy increíbles algunas). De hecho, esta canción que les menciono la canta Tracy Thorn y no sólo su timbre de voz, sino la melodía de la canción también (salvo unos sintetizadores) me llevan a la única y sensual: Sade. 
   

2. Sade (soul-R&B) – Helen Folasade Adu nació en Nigeria pero creció en Inglaterra, lugar donde comenzó su carrera musical, que no fue Sade, sino Pride, una banda donde cantaba, hasta que en 1983 formó Sade. Tienen muchos puntos en común con Massive Attack: un groove lento, minimalista y -repito- sensual. Sade también tiene publicados 8 álbumes (y un sencillo editado el año pasado) Diamond Life (el primero, de 1984) fue por el que se hizo conocida, pero Love Deluxe (1992) es mi favorito. Si por casualidad no lo registran pero lo escuchan, seguramente reconocen ese sonido y esa voz. El tema al que me llevó Massive Attack con Tracy Thorn fue No Ordinary Love. Les dejo un mashup de YouTube con una canción de Sade y otra de Massive Attack para que se diviertan con el ensamblado (?)
   
3. Jamiroquai (funk-soul-disco) – Massive Attack y Sade me transportan a esta mítica banda que también es de Inglaterra y que también tuvo su momento de auge en los ´90 (eso no quita que en la actualidad todos los mencionados en este Top 3 sigan tocando y vigentes, obvio). Pero esa coyuntura cultural y musical hizo que, para mí, estén conectados por un mismo sonido. En este caso, Jamiroquai (banda liderada por Jay Kay) evolucionó bastante a la electrónica. Clásicos hermosos de Jamiroquai: Virtual insanity, Cosmic Girl y Canned Heat. Sus videos, su estética y movimientos son icónicos también. Mientras escribo esto lo estoy escuchando de fondo y LA VERDAD ME DAN GANAS DE BAILAR TODAS SUS CANCIONES. Si no me equivoco, vino a tocar más de 5 veces a la Argentina y en el show del 2006, en el Club Ciudad de Buenos Aires, se sumaron Emmanuel Horvilleur y Victoria Mil. Cómo no pensé antes en Emma Horvilleur ¿verdad?

FEBRERO 2025

1. Los Violadores (punk rock) – Banda icónica de punk rock, referente de muchas otras que vinieron después y muy escuchada en Latinoamérica, se forma a finales de los ‘70 en Argentina y tiene su gran momento de auge en 1991, cuando tocan de soporte para Los Ramones, en Obras. Yo los vi en vivo hace varios años, en un festival en el que compartieron escenario con sus amigos alemanes Die Toten Hosen, hermosos. Aparecen en esta sección porque la canción Tiempos de Acción, del disco Fuera de Sektor, del año 1986 (y no solo ese tema, sino todo el disco) tiene un sonido diferente a lo primero que escuché de ellos y por lo cual se hicieron conocidos popularmente . En Tiempos de Acción hay teclados y melodías mucho más post punk que punk. De hecho, esa canción y Más allá del bien y del mal, podrían ser actuales sin dudas. ¡Agradezco a mi amigo Dude por hacerme notar esto! 
2. Tensión (post punk) – Los conocí hace poquísimo, en un ciclo de bandas que tocaban en Lanús y quedé maravillada con su música (son de Rosario, por cierto). Hay en la voz del cantante algo de la voz de Pil en este disco de Los Violadores que les compartí más arriba. No es solamente la voz y el sonido característico del post punk lo que me hace conectar a Tensión con Los Violadores, sino también las temáticas que abordan de crítica social algunas de sus letras. Les dejo las canciones Un hombre sin cualidades y Un llamado a tu bondad, pero si pueden, escuchen todo lo que tienen (su hit, por lo que vi en vivo -y adhiero- es Hacia el oeste).
3. The Cure (post punk – new wave) – Están en este top, no solo porque Los Violadores me hicieron pensar en ellos (se formaron en la misma época, pero en Inglaterra), sino porque el año pasado editaron nuevo disco: Songs Of A Lost World. Lo último que habían publicado fue 4:13 Dream en 2008, y había mucha expectativa por este nuevo material que, aprovecho a decir, me gustó mucho. Tiene grandes momentos como en And nothing is forever o en A fragil thing. Es el The Cure de siempre pero más chill, lindísimo.

NOVIEMBRE 2024

1. Mannequin Pussy (punk rock/noise) A esta banda oriunda de Filadelfia, Pensilvania, la escuché por primera vez el mes pasado en un KEXP y me gustaron MUCHO. La potencia va subiendo progresivamente y el noise y la voz de Marisa Dabice me sorprendieron, no me esperaba esa manera de sonar que, además, va muy bien acompañada por las melodías y los coros. Se formaron en 2010 y editaron 5 álbumes que sostienen un mismo estilo. El último que editaron, que fue este año, se llama I got heaven y es el que presentaron en el KEXP que les comparto en este link. La canción que les traigo hoy es Loud bark, que es la que me hizo acordar a la banda que puse como número 2, pero permítanme recomendarles -también de este último disco- Ok? Ok! Ok? Ok! en donde canta el bajista Colins Regisford y es tremendo. 
2. Yeah Yeah Yeahs (indie rock/garage punk) Aparece en este top porque, si bien esto es más tranqui, la voz de la cantante de Mannequin Pussy me hizo acordar a la vocalista de esta banda, Karen O. Escuché Yeah Yeah Yeahs por primera vez cuando su canción Maps se volvió popular en 2003, tema que no me cansé de escuchar. Además, en el videoclip aparece Karen cantando “Wait, they don’t love you like i love you” mientras se le caen las lágrimas. Esta canción se la dedicó a su ex novio, Angus Andrew, de la banda Liars. El nombre del tema «Maps» es un acrónimo de «My Angus Please Stay» (Mi Angus, por favor quédate).
3. Amyl and the Sniffers (punk rock/garage punk) es una banda australiana formada en 2016 que lidera la increíble Amy Taylor que, en sus presentaciones en vivo, la rompe con su actitud. Les comparto un KEXP para que la vean. Toda la banda suena muy bien, tienen riff rápidos, baterías potentes y MUY BUENOS solos de guitarra. Amy canta segura y -si bien no es noise, sino más bien un sonido similar a The Stooges- aparece en este top porque la energía de Mannequin Pussy me hizo pensar en ella. Esta banda editó 2 EP´s y 2 álbumes de estudio: Amyl and the Sniffers (2019) y Comfort to me (2021), con los que siguen tocando en vivo.

OCTUBRE 2024

1. Willie Bobo (jazz afro-cubano) – A Willie lo escuché por primera vez hace unos meses y quedé fascinada. En especial con el disco A new dimension (1968), que recorre varios estilos, porque comienza con Psychedelic blues -compuesta por Sonny Henry-, una canción instrumental muy movida, bien salsera, con unas trompetas, congas y timbales que marcan el ritmo; y le sigue algo totalmente diferente: The look of love, un bolero cantado en inglés, suave y preciso, acompañado de una orquesta y un solo de saxo que es hermosísimo (este tema fue compuesto en 1967 por Burt Bacharach y Hal David). El álbum es así, oscila entre temas bailables, boleros y bossa nova, con letras en inglés y en español, como Quieres volver, que además tiene un solo de guitarra divino. Este álbum lo recomiendo completo. Willie Bobo, percusionista increíble, de raíces puertorriqueñas, nació en Estados Unidos en 1934 y falleció en 1983. Grabó discos para el prestigioso sello de jazz, Blue Note y para Columbia Records. Dato: el hijo de Willie es Eric Bobo, percusionista de Cypress Hill y Ritmo Machine, que en los ´90 tocó también con Beastie Boys.
2. Frank Sinatra (cantante) – No sé cómo haré para no extenderme tanto con Frank, así que iré al punto. Lo pongo en esta sección porque los temas más lentos del disco de Willie Bobo me hicieron acordar a él y a su impresionante manera de cantar. Entiendo también que la época (ambos eran contemporáneos) los acerca bastante. La canción que quiero compartirles es One for my baby, que aparece en el álbum Sings for only the lonely (1958): piano, orquesta y la voz suave de Frank. Muy romántico todo, o más que romántico, podría ser esto: un corazón prendido fuego por un desamor. Sinatra (agradezco mucho a mi padre por habérmelo hecho saber) interpretaba las canciones, como muchxs de su época, con un estilo crooner, que se caracterizaba por cantar muy suave. Esta nueva manera surge como necesidad, ya que en las décadas del ‘20 y ‘30, lxs cantantes -en su mayoría de jazz- iban a las radios a cantar en vivo y, para no saturar el sonido, los técnicos les pedían que lo hicieran bajito (sí, así como leen). A muchos, sobre todo a lxs primerxs, no les gustaba que los etiquetaran con el término crooner, porque podía ser peyorativo, entendiéndose como si no supieran cantar, porque no debían proyectar demasiado la voz. Pero lo cierto es que a partir de ahí, muchxs (por ejemplo, Nat King Cole y Tony Bennett) adoptaron este estilo y al público le encantó.
3. Arctic Monkeys (indie/rock) – Alex Turner es un cantante que podría escucharse como crooner, al menos en el último disco que sacó con los Monkeys: The car (2022) que, lejos del estilo (incluso de la vestimenta) más rockero de su primer álbum Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006), su voz suena más suave, más grave y más trabajada. Les comparto There’d Better Be A Mirrorball, la canción que interpreta Alex y que me hace imaginar que podría ser -salvando las distancias, no se me pongan locxs- el Frank Sinatra actual. También les dejo la misma canción, pero en vivo, así ven el estilo y la actitud que tiene él ahora (es una presentación de hace un año).

SEPTIEMBRE 2024

1. Goat (rock experimental/psicodélico): Esta banda oriunda de Suecia lanzó World Music, su primer álbum en 2012, pero no están aquí por este disco, sino por el tema Let it burn, que hicieron para la serie de TV The Gallows Pole. Goat es una formación prolífica que, en 12 años de historia, editó 11 álbumes (en 2023 publicaron 3). No solo se destacan por no mostrar sus rostros y su vestimenta particular y teatral, sino que traen consigo una psicodelia que, en lo personal, me animo a escuchar solo en ciertos momentos, no es una banda para poner de fondo o andar en bici. Son muy visuales y de a ratos, un poco oscuros (esto lo pueden ver en algunos de sus videoclips). Les dejo en este link una sesión de una hora (se llama Levitation Sessions, ja) para que disfruten, pero elijan bien cuándo darle play!
2. Black Sabbath (heavy metal): Fundadores del heavy metal y pioneros de un sonido más grave que al que estaban todxs acostumbrados a finales de los ‘60, Sabbath se me vino a la mente mientras escuchaba Let it burn, de Goat, por las voces, que son muy similares a las de Ozzy Osbourne en Sabbath Bloody Sabbath. Tengo la sensación de que no hay mucho que pueda decir de esta banda que está ultra mega consagrada, pero puedo compartir algo que no supe hasta hace poco. Tony Iommi, guitarrista histórico y compositor de Black Sabbath, es conocido por ser el “padre” de este género. Trabajando en una fábrica, perdió la punta de dos de sus dedos, y adaptó las prótesis para poder tocar. La cuestión fue que, para poder hacerlo, bajó la afinación de su guitarra a C#, con las cuerdas menos tensas, creando así ¿sin saberlo? un nuevo sonido: el riff oscuro y pesado del heavy metal. 
3. Electric Wizard (doom metal/stoner): Esta banda inglesa, formada en 1993, me lleva a Black Sabbath un poco por el groove pesado (aunque este género es más lento, más doom, que Sabbath), pero sobre todo, por la búsqueda de lo oscuro, el ocultismo y el terror en su estética y en sus letras. De hecho, el nombre Black Sabbath lo sugirió Geezer Butler -bajista de Sabbath-, por un horror film de 1963, del director italiano Mario Bava, que se llamaba así. Electric Wizard grabó 10 álbumes de estudio y continúan tocando en la actualidad. Les recomiendo 2 discos para empezar: Come My Fanatics (1997) y Dopethrone (2000). Y les comparto también este documental espectacular sobre el género Heavy Metal, del canadiense Sam Dunn, antropólogo y nerd metalero, que me hizo ver mi amigo Emi (otro nerd metalero que quiero mucho)

AGOSTO 2024

1. Francisco Bochatón (indie rock/rock alternativo): Fundador, cantante y bajista de la banda platense Peligrosos Gorriones, que la rompió en la década del ‘90 junto a Los Brujos y Babasónicos, Bochatón se lanzó como músico solista en 1999, editando 7 álbumes de estudio. Justo el tema que traigo hoy es de un EP que se llama Mundo de Acción y que publicó en 2020: Vida Simple: “Amando tu color, tu extraño brillo y voz / soy tu seguidor, sin alcanzarte / recuerdos nada más alumbran mi mente / el amor se va, dejando huellas / voy a conservar de tu mirada su claridad temprana / y tu voz serena que abrazada al mundo se quedaba / sembrando luz estás dentro de un manantial / la felicidad que te contagia”. Increíble Bochatón, sus letras, la calidez de la guitarra y el timbre de su voz. Más pop y menos grunge que en Peligrosos Gorriones, suave y distinto. Al final de esta sección les comparto una entrevista y reci acústico que hicieron en 1994 en Much Music, donde hablan de La Plata y la historia de la banda. 
2. Los Años Rojos (indie rock): También son platenses pero no están acá por eso, sino porque la voz de Bochatón me llevó a la de Martín Remiro en esta banda. No solo el timbre de sus voces, esa fue la primera conexión, también comparten un sonido expansivo y cálido. Los Años Rojos, banda que me encanta, no toca más, pero tenemos sus 4 EPs grabados entre 2018 y 2020 para escuchar. Públicamente me declaro fan de las guitarras de Martín: cómo las hace sonar, el tiempo que les dedica en las canciones, los matices y los ambientes que generan. Lo pueden escuchar  e identificar claramente en otras bandas en las que tocó, como Thes Siniestros y Peruano. Otras dos joyas platenses.
3. Hojas por el Barrio (rock/indie rock): También platenses (no tengo la culpa que en La Plata se formen bandas tan talentosas ee), son los ex Hojas Secas y tocan hace 20 años. Editaron 3 álbumes de estudio y varios EPs. Tienen unas colaboraciones con Santiago Motorizado muy lindas. El sonido es un poco más rockero que Los Años Rojos y Francisco Bochatón (al menos en algunas canciones), pero igual aparecen unas guitarras rítmicas y un timbre de voz casi roto, apenas rasgado, en Creer en mí otra vez, el sencillo que sacaron en 2023, que me dan ganas de juntarlos en un reci con Francisco Bochatón y Martín Remiro, a ver qué maravilla podrían crear juntos.

JULIO 2024

1. Billie Eilish (indie pop/pop alternativo): Probablemente ya la conozcan porque su voz suena en todas las plataformas digitales, en la radio, en películas y en diversos feats con otrxs músicxs. Tenía la sensación de que Billie había grabado varios discos de estudio pero no, tiene solo 3. Sucede que antes sacó muchos sencillos y EPs. El primer álbum lo editó en 2019, 2 años después de su primera canción mega conocida: Ocean Eyes. A Billie la traigo hoy porque hace poquito lanzó su último disco: Hit me hard and soft, que coescribió junto a su hermano, Finneas O’Connell, quien también lo produjo. Es un disco agradable de escuchar, melancólico como todo lo que hace (este álbum tiene algunos elementos más tecno). La cosa es que estaba escuchando la canción Chihiro y de repente, en el minuto 02:00 (y con mucha más intensidad a partir del 04:12) se me viene a la mente Peces Raros. ¿Por qué? Por una incorporación techno-house. Nerd Alert: al final de esta sección les comparto una entrevista de Apple Music en la que Billie y Finneas hablan en detalle de cómo compusieron este disco.
2. Peces Raros (rock electrónico): Si bien este dúo platense comenzó su carrera en 2014 con un primer disco de rock indie “clásico” con “No gracias”, en 2016 su sonido viró a algo más pop electrónico con su segundo álbum “Parte de un mal sueño” (el tema más conocido de este disco es Clericó). Y con la consolidación de esa búsqueda más tecno es que llega el tercer álbum “Anestesia”, en donde figura el tema que, en mi opinión, está conectado con Chihiro, de Billie Eilish: No van a parar (¿lo escuchan y me dicen si estoy exagerando o estoy en lo cierto?). Después sacaron dos LP más, hicieron una colaboración con Trueno y están girando por todos lados, lejos del sonido del primer disco. Recomiendo verlos en vivo, es una fiesta (y eso que no soy fan de la música tecno).
3. The Charlie´s Jacket (rock electrónico): Hacía AÑOS que no escuchaba esta banda que solo sacó un disco: TCJ en 2017, aunque yo los vi en vivo varias veces en La Plata antes de que publicaran TCJ. Pura Vida (espacio cultural icónico de la ciudad) fue escenario de varias fechas donde tocaron estos muchachos oriundos de Neuquén. Luego de un tiempo no oí más de ellos hasta el año pasado que anunciaron su regreso, algo que emocionó a más de un nostálgicx. La canción que puede matchear con Peces Raros y Billie Eilish se llama Game Over. Ellos también son una fiesta en vivo, pero más punk (en actitud y en sonido). Ojalá toquen pronto por acá.

JUNIO 2024

1. The Hellacopters (garage rock/hard rock): Es una banda que se formó en 1994 en Estocolmo, Suecia. Estuvieron en actividad hasta el 2008 y volvieron a los escenarios en 2016. Desde el mes pasado están de gira por España y no pierdo las esperanzas de que vengan a tocar acá. En 2020 tenían fecha en Argentina y tuvieron que suspender por la pandemia. Hellacopters es una banda que suena bien completamente: solos de guitarra y un power de batería que combinan impecablemente con la voz del icónico Nick Royale. El protagonismo que le dan al piano es clave también, y su estética rockabilly los hace aún más entrañables. Hace muchos años escuchaba 4 discos sin parar: High Visibility (2000), By the Grace of God (2002), Rock & Roll Is Dead (2005) y Head Off (2008). Si no saben por dónde empezar, escuchen los temas By the Grace of God y Toys And Flavors, y van a enamorarse de estos suecos.

2. Graveyard (hard rock/blues/stoner): Aparece en este top 3 no porque sean suecos también (Gotemburgo), sino porque tienen un sonido muy similar a Hellacopters. Si escucharon el tema By the Grace of God, de The Hellacopters, y luego escuchan Never Theirs to Sell, de Graveyard, quizás les pase lo mismo y encuentren similitudes en sus solos de guitarra, las melodías y, en especial, el timbre de voz y manera de cantar de Joakim Nilsson. A Graveyard los vi en vivo en el 2019 en Buenos Aires. En ese recital los conocí, de hecho, y a partir de ahí empecé a escucharlos. Hisignen Blues, disco del 2011, y Peace, del 2018, son los álbumes que recomiendo acá. Pueden escuchar el tema The Siren, que es mucho más slow, potente y ofrece momentos que te llevan a estar muy arriba y, al mismo tiempo, afloja. También pueden escuchar Please Don´t, canción más stoner y con una base de blues muy fuerte. 

3. Soundgarden (grunge/rock alternativo): Creo que no hace falta que presente mucho a esta banda estadounidense, porque es histórica y fundamental para el grunge y la década del ‘90, pero aparece en este top 3 porque la voces de Nick Royale (Hellacopters) y Joakim Nilsson (Graveyard) me llevan a la inconfundible voz de Chris Cornell (cantante de Soundgarden y Audioslave) ¿En dónde encuentro a las primeras dos bandas? En algunos gritos de Cornell. Por ejemplo, en Fell On Black Days, del disco Superunknown (1994). Si algunx de ustedes no conoce Soundgarden, les recomiendo un clásico: Black Hole Sun. Las presentaciones en vivo que hay en YouTube no son las mejores, así que pueden ir directo a Spotify. Igual les dejo una entrevista que dieron (muy cortita, de 6 minutos) a MTV en 1994 para hablar del disco Superunknown y la canción Spoonman.

MAYO 2024

1. Nilüfer Yanya (2016) – Indie rock / Trip Hop / Jazz – Nilüfer (inglesa) grabó algunos EP y dos discos: Inside Out (2019) y Painless (2022). Recomiendo este último para escucharlo entero, el mood es tranquilo, bastante down y un poco ruidoso por momentos. Hace algunos días sacó un nuevo sencillo: Like I Say (I runaway). Pero antes de ir a Spotify: en 2023 grabó un From The Basement que se puede ver en YouTube y creo que es mejor entrar por ahí. La banda tiene guitarra, batería, bajo, teclado y saxo. La voz de ella es grave, especial e inesperada y el saxo en algunos temas le da un toque especial al sonido de la banda (en From The Basement se puede apreciar). Tema del disco: Midnight sun. 
2. Morphine (1989) – Rock alternativo / Jazz rock / Blues – Esta banda estadounidense que conocí de grande amerita un LMQTD entero, así que solo diré que el saxo de Nilüfer me hizo pensar en Morphine (además del sonido grave de la voz de Mark Sandman). Este trío de low rock, tenía un saxo doble que se destacaba junto al bajo del cantante, que contaba solo con 2 cuerdas. Más low y deep imposible. La banda hizo 5 discos de estudio, recomiendo Good, pero antes de ir a Spotify, vean en YouTube un MTV live que grabaron en 1995, imperdible. Ahora sí, tema del disco: You Look Like Rain.
3. Van der Graaf Generator (1970) – Rock progresivo – El saxo doble me lleva a esta banda inglesa que también tenía uno de estos en su formación (igual quiero meter un bonus acá mismo, porque también hay algo en Morphine que me lleva a Sumo: la voz y el bendito saxo). Van der Graaf Generator también amerita un LMQTD entero, pero vamos con esto: esta bandaza publicó 13 discos de estudio, y su sonido envolvente y psicodélico -bien de la época- se logra, entre otras cosas, gracias a que la banda estaba compuesta por varios instrumentos: batería, vientos, órgano, bajo, guitarra, saxo, flauta, violonchelo, violín y teclado; además de la voz de Peter Hammill que sonaba bastante lírica. Pero antes de ir a Spotify les recomiendo este video en YouTube: Darkness -en vivo- (1977), y una perlita increíble: Man-Erg (2023), donde aparece Hammill rompiéndola con su voz y sus 75 increíbles años, junto a Hugh Banton (teclado) y Guy Evans (batería) -formación original-. Este tema pertenece a un disco en vivo que grabaron en ese año: Bath Forum Concert. No puedo recomendar un disco solo, les recomiendo bucear en sus presentaciones en vivo o en Spotify.